Сведение и мастеринг Ваших песен

Звукоинженер Стас Карякин много лет проработал на ведущих студиях Москвы и сегодня занимается мастерингом на студии SBI Records Игоря Бабенко. Ему приходилось обрабатывать материал как в цифровом виде (Sonic Solutions, Digidesigne, t.c. electronics, Apogee, Prism Sound, Lexicon, Sony, Tract), так и в аналоговом (1/2″, 1/4″ — Studer, EQ — Sontec, Summit, BSS Audio, NTI, Dolby, а также Tube Tech, Urei и т.д.).

Уважаемые коллеги, музыканты и все, кто занят «жизнью» звука! Автор этого небольшого размышления не претендует на непререкаемость всего нижеизложенного.

Начнем с убеждения некоторых музыкантов и инженеров, что «любое вмешательство в звук есть его «порча». Автор в некоторой степени согласен с этим, однако…

Для серийного тиража музыкальной продукции, (например, CD или компакт-кассеты) существуют определенные технические требования к так называемым мастер-лентам, то есть к тому, что посылается на завод, тиражирующий продукцию.

Мастер-лента (носитель может быть разный PMCD, R-DAT, Umatic, Exabite) — должна быть записана с определенной частотой, иметь определенную разрядность, количество выпадений не больше, чем положено, и так далее. Ряд параметров должен быть указан в сопровождающем документе (если, конечно, вы не хотите получить на вышедшем компакте сильно измененный звук или какой-нибудь другой «подарок»). Можно сэкономить и отдать на завод DAT-кассету с копиями песен в задуманном порядке, скопированных с оригинала, как один из вариантов на двух DAT-магнитофонах. Так было раньше. Сегодня потенциальный покупатель не тот, да и артисты стали больше внимания обращать на качество звучания своих работ. Вполне понятно их желание, чтобы материал звучал убедительно и комфортно (если задумано не иначе) на любой акустике — будь то телевизор, домашний аудиоцентр или мощная концертная аппаратура.

Дабы не путаться в терминологии, рассмотрим два аспекта мастеринга — технический и художественный. Насчет последнего вспомним поговорку: «На вкус и цвет товарищей нет». Итак, техническая задача-минимум мастеровой студии — грамотно подготовить материал с соблюдением требований, предъявляемых заводом-изготовителем. Задача не творческая, но, как ни странно, очень сложная. Как правило, DAT-магнитофоны записывают с аналогового входа только в 48 кГц (ADAT — в том числе), да и звук в 48 кГц чище и светлее. А формат CD — 44,1 кГц. Многие приборы и цифровые станции обработки звука (Digital Audio Workstation — именуемые автором в дальнейшем DAW) имеют возможность конвертации — перерасчета аудиосигнала, записанного на частоте 48 кГц, в 44,1 кГц. По всей видимости, это один из сложнейших алгоритмов в цифровом аудио.

Большинство из имеющихся у инженеров приборов и DAW не дают удовлетворительного результата. Звук претерпевает значительные изменения не в лучшую сторону. Теряется его полнота, стереоимидж, прозрачность, динамика, он становится пустым и колючим — это в лучшем случае. (Иногда материал, «оцифрованный» однобитным или любым другим AD-конвертором с Noise-Shaping процессором, вообще не рекомендуется обрабатывать в цифровом виде).

Одна из главнейших задач звукорежиссера, когда он делает мастеринг— не испортить звук. Но даже для обычной конвертации требуется либо очень дорогой Sample-Rate конвертор, либо серьезная «математика» (алгоритм на DAW), либо два качественных конвертора AD и DA.

Далее монтаж. DAW, монтажная станция на R-DAT кассетах, Umatik — варианты этим не ограничиваются.

Рассмотрим монтаж на DAW. Факт, что качество любой DAW не зависит от того, на базе какого компьютера она функционирует. То, что какая-либо станция монтажа «записывает 16-битные стереофайлы в качестве CD-диска», еще ни о чем не говорит! Тем более желательно иметь DAW, обрабатывающую стереофайлы большей битности (24 бит). Используя многие популярные DAW, можно значительно потерять в качестве звука и свести на нет старания людей, участвовавших в создании материала.

DAW имеют различное назначение, возможности и, как следствие, качество. Большинство из них не удовлетворяет требованиям мастеринг-инженеров. Чаще всего это DAW, предназначенные для домашней работы, озвучивания видеопродукции и демо-записей. Возникает неприятное ощущение «цифры», пустоты и неблагородности звука.

Теперь о другой стороне мастеринга. Предлагаю (не мною придуманный) способ сравнения двух фонограмм («до» и «после» конвертации, эквализации, динамической обработки и так далее).

Вы должны иметь возможность сравнить обе фонограммы на одной громкости восприятия, то есть изменять уровень одной из них до тех пор, пока вам не покажется, что они звучат с одинаковой громкостью. Только тогда можно говорить о сравнении «до» и «после».

Опыт показывает, что слушающий почти всегда отдаст предпочтение той фонограмме, которая звучит громче хотя бы на 1-2 дБ. Повторяю — уровень выравнивается не по показаниям какого-либо прибора, а на слух. И естественно, если фонограммы в цифровом виде, то прослушивание должно происходить через один DA-конвертор. Это важно.

Итак, несложные на первый взгляд технические операции требуют высококачественного и, как следствие, дорогого оборудования и грамотного, желательно со слухом инженера (шутка).

Теперь о вмешательстве в звук.

Во-первых, вы должны твердо решить, что это необходимо.

Во-вторых, было бы неплохо представлять себе хотя бы приблизительно конечный результат.

В-третьих, необходимо иметь условия и оборудование для выполнения работы.

Можно сделать «мастер на коленке»: недорогой пульт, пиковый ограничитель уровня (чтобы было громче, чем у других) — и «рулить» звук, без боязни, используя эквализацию пультовой ячейки. А можно стремиться тонко подчеркнуть какую-либо грань материала, выстроить интересную пространственную картину, правильно распределить частотное давление, попытаться исправить некоторые недоделки сведения и придать звуку упругость.

Естественно, чтобы решать подобные задачи, недостаточно иметь оборудование, которое присутствует на студиях среднего и даже высокого класса.

Бывают случаи, когда песни альбома записаны на разных студиях (что почти закономерно при составлении сборников). Привести их к одному алгоритму также является задачей инженера.

Надеюсь, что вы не верите в миф об «ужасных» фонограммах, превратившихся в «отлично звучащие» после мастеринга. Чудес не бывает, и работа с подобным материалом скорее можно назвать реставрацией. Часто такие фонограммы дешевле переписать заново. И я не согласен с мнением, что если не слышно разницы «до» и «после» мастеринга, то его не стоило делать. У слушателей существует подсознательное восприятие, и более «правильно поданная» фонограмма может не только повлиять на имидж исполнителя или группы, но и определить рейтинг в мире музыки. Неправда, что качество не влияет на «хитовость». Влияет.

В каком виде мастеринг-инженеру желательно иметь исходный материал? На аналоговой ленте 1/4″ R-DAT-48 кГц и R-DAT-44 кГц?. Уровень на R-DAT не должен превышать -0,5 дБ F. s. Если у вас есть материал в трех перечисленных видах, то у вас больше возможностей достичь желаемого результата. На 1/4″ аналоговой ленте материал в большинстве случает предпочтительнее. Остается только надеяться, что в будущем ведущие отечественные студии будут оснащены аналоговыми магнитофонами 1/2″ 30 1PS для сведения.

На сведении желательно пользоваться (если необходимо) пиковыми ограничителями, компрессорами, приборами шумоподавления в щадящем режиме. Если вы используете психоакустику, то хорошо бы иметь дубль без приборов этого направления. «Бороться» с перекомпрессированной или фазово искаженной фонограммой значительно сложнее.

В том случае, когда вы сводите на многодорожечный магнитофон (типа A-DAT), используйте лучший по качеству AD-конвертер. Тогда меньше шансов ошибиться в балансировке звука, так как это реально сбалансировать на мастеринге.

Считаю, что любой без исключения музыкальный материал должен проходить и этот конечный этап звукообразования — мастеринг.

(Автор сознательно не оценивал ни одного прибора, ни DAW — это тема другой статьи).

Webdesign © Сергей Горбунов

Сведение – с чего начать?

Пункт первый..Нажимаем на мастере кнопку «моно»..Слушаем внимательно и создаём баланс инструментов в глубину. Никаких реверов, естественно. Приблизить и удалить звук (пока мы в моно) можно только по двум параметрам- громкость и тембровая окраска. С громкостью понятно, двигаем фейдера. А с тембром что? внимательно читаем статьи Алдошиной по психоакустике, и врубаемся, что чем дальше источник, тем меньше высоких частот, а небольшие расстояния выявляются ушами в данном случае( моно) по фазовым сдвигам в районе этих самых высоких..Теперь ищем тот самый правильный эквалайзер для «удаления», то есть тот, который двигает фазу, имитируя аналоговые EQ. и их не так много. Для этого берём шельф высоких (hi shelf), опускаем его дБ на 8- 10 и плавно понижаем частоту среза. Если звук «уехал » вглубь, значит такой EQ нам подходит. В частности, я считаю самым лучшим waves серии Q…Заметьте, линейные EQ для наших целей ( пространственная глубина) совершенно не подходят. Они для другого хороши.

Продолжение. Наша задача-чтоб колбасило, плющило и втыкало. Музыкальные достоинства произведения в расчёт не берём- это другая тема, потому что чаще колбасит от материала, чем от крутого сведения. Основная задача- свести так, чтоб было достаточно громко без всяких максимайзеров на мастер- шине.. Это борьба с пиками называется, кстати, с ними бороться можно и в самом начале, ещё до расстановки в пространстве, но я сначала прикидываю, куда расположу инструменты, а потом уже плющу их , исходя из желаемых тембровых окрасок. Открываем статейку Алдошиной И.А. и врубаемся, что максимальную энергию несут в миксе высокие частоты- следовательно, инструментам заднего плана всё, что выше 16- 18 кГц можно смело отпилить. Тем же waves Q, к примеру. Разумеется, если художественный замысел нетленки обязывает их оставить, что уж тут, оставляем. Дальше. Высокочастотные пики на вокале и акустических гитарах. Внимательно слушаем и режем. Тут вариантов уже больше, например диессер на гитаре ( прикольно?) тоже возможен. Главное- не внести особо слышимых искажений..ну, это правило номер один, конечно. Многообразные лимитеры и прочие максимайзеры- всё сгодится, дело вкуса и многократных экспериментов. Лично я считаю, что музыкальней всех с пиками справляется SinusWeb PeakCompressor VST v2.2 . Обращаем внимание на то, что низкие частоты конечно добавляют энергии, но не так реактивно, как верхние, так что с низами для победы над пиками можно и не стараться бороться, единственное важно- аккуратно подрезать всё, что ниже 20- 30 Гц. И ещё- в связи с нелинейность ушей самый громкий диапазон `1-4` кГц.. думаем, надо ли нам их поднять для субъективной громкости отдельных партий..ну, вокала например, или малого барабана. Пробуйте поделить инструменты по подгруппам по частотному признаку и подрезать пики общего плана. Думаю, что это будет звучать музыкальней, чем по сути тот же многополосный компрессор, только уже в применении ко всему миксу. Громкий и чёткий микс БЕЗ всякой обработки на мастер шине- никаких лимитеров! Вот цель. Продолжение следует. Какие ещё бывают варианты угромчения треков без частотных искажений? ваши варианты.

Прежде всего звучат исходники. Если сам тембр тухлый, вся компрессия- что мёртвому припарки. Надо перелопатить гору семплов, чтобы подобрать тот самый. нужный. Иногда получается совсем неожиданный вариант. Как правило, семплы и тембры звучат совершенно по-разному в миксе и сами по себе. Так что выбирать звук нужно, слушая Весь микс. Очень важна длительность той же бочки, Сочетание с линией баса и тд. и тп. Это вопрос скорее аранжировки, чем сведения. Не знаю способов искусственно удлинить BD для того, чтоб самый низ ( уханье) пришлось аж на слабую долю. Большая проблема обычно сделать читаемыми бас и бочку раздельно.. Я знаю только пару способов. Имеется ввиду, что BD и бас играют вместе, а не по очереди- так вот, смотрим спектронализатором основную частоту у BD ( самую громкую) и вырезаем узкую полосу этой частоты в басе. Пользоваться нужно фазосдвигающими EQ, в линейных в данном случае смысла нет. И ещё вариант- хорошо подходит для живого баса- и BD и бас сунуть в одну подгруппу и закомпрессировать, оставив атаку бочки- `15-35` мсек (атака) и выбрав время восстановления. ( обычно 100- 140 мсек) Любые варианты на слух возможны. степень сжатия тоже подбирать на слух, чтоб не сильно раскачивало. пампинг- это всё таки спецэффект, а не правило. -) Максимайзеры- в основной массе своей- пиковые лимитеры с автонормалайзом. Годятся для того, чтоб сделать финальный мастеринг. Применения при сведении, (например популярные серии waves L1 L2 ) я так и не нашёл. слишком агрессивны, и плющат всё, что можно. Про компрессию так много понаписано …и всё что нужно знать- как оно работает, и что можно поменять- время срабатывания, степень сжатия, и длительность работы. Все свойства и эффекты выявляются на слух при первом же эксперименте. Интересно другое- многополосная компрессия, частотно-зависимая, компрессия «наоборот»- экспандер так называемый….много работы для изучения. -)

Тема эквализации очень обширна. Про спектр разных инструментов рассказывать смысла нет, потому что есть спектроанализаторы- взял да посмотрел. Очень полезно для понимания временнЫх процессов поглядывать на цветные картинки, создаваемые, к примеру SpectraLAB в режиме spectrogram- можно разглядеть даже тембры отдельных инструментов. Я это к тому говорю, что нету никаких рецептов типа — бочка должна быть пик 60 гц, полочка до 150, спад 24 дБ на октаву вверх,6 дБ вниз……это не от жлобства, а от невозможности вычислить всё разнообразие музык и стилей. И главное правило- что правил нет. Было бы желание. учиться. Если оно есть, не всё ещё потеряно.:-). Много вот говорят- слушать слушать и слушать. Да, это так. Но надо НАУЧИТЬСЯ слушать. Если кто знает какой-нть спец. тренинг для звукорежиссёров, буду счастлив почитать об этом хоть что-то. А пока слушаем эквалайзеры. (см. выше…). И пытаемся представить объемную картинку. Я придумал для себя, к примеру виртуальное помещение 3х15 метров и стараюсь разместить в нём инструменты только балансом и частоткой. Такое помещение может быть любым, а может и не быть помещением- например, это лес, или берег моря. У звукорежиссёра огромная палитра выразительных средств, так почему бы не попробовать ими воспользоваться на всю катушку.. на 400 процентов? Для усиления эффекта..чтоб самый дремучий глухой чайник сразу почувствовал объём и нечто эдакое, кайфное. -)…? Чтобы инструменты не перекрывали друг друга, нужно 1 разместить их в пространстве и 2- попробовать слегка придавливать разные частотные области, к примеру 400 в LEAD, 800 в PAD, 1000 в STRINGS, но список способов можно долго продолжать, я так подумал…Мы пока всё ещё не отжали кнопку моно на пульте…:-)

Из этой и следующих статей можно многое почерпнуть полезного

По поводу кнопки. Товарищ Пол Уайт советует не жать кнопку моно на мастере , дескать, после того как начнёте панорамировать, громкость каналов, свёрнутых вправо или влево, упадёт на 6 дБ. Не прав товарищ. Во всех уважающих себя прогах (cubase, samplitude, sonar и т. п.) есть галочка режимов панорамирования. выставляя её в «0», громкость падать не будет. В лоджике оно по умолчанию так, кажется. Это касается других каких нибудь пультов, где нет такого режима. Который правильней, я не знаю, и спорить не буду, Так как панорамирование- (на первый взгляд простая штука- влево вправо…)на самом деле тема обширная, и я бы назвал эту тему позаковыристей- например- локализация звука в пространстве… Мало того.. в горизонтальном и вертикальном..а как насчёт surround? воот. Небольшое примечание. Попрошу не принимать всё, сказанное выше за аксиому, ибо некоторые мои утверждения можно смело назвать ошибочными, например то, что высокие частоты несут максимальную энергию.. нет, конечно, это не так называется.. максимальной энергией обладают басы с бочками, но их скомпрессировать и следить за их уровнем намного проще, поэтому я и не вдаюсь в технические подробности.. При борьбе с пиками я сам с удивлением обнаружил, что индикаторы реагируют сильней всего именно на верха, и именно в той области находились непонятные мне скачки громкости. Контроль за верхним диапазоном- важное дело для устранения клиппирования..Кстати, о птичках..в смысле о клипах. Ухо не успевает оценить как искажение наличие пика величиной аж в 44 семпла (1 мсек звучания при 44100- стандарт СД). так что если сильно хочется, то можно. Но опять же, области пика не должны быть долгими и не должны часто повторяться во избежание слышимых искажений..Это Пол Уайт нам разрешил..)…Втапливаем. ура. Вот только я так делать из принципа не буду. Максимально громко с живой динамикой и без клипов!. Только так.

Ладно, отжали кнопку моно. Теперь уже мы относительно ясно представляем себе перспективу в глубину, набо бы и в ширину попробовать. Кто не знает, что бас с бочкой желательно панорамировать в центре, тот может дальше не читать. ( шутка). Панорамируйте куда угодно, если требует творческий замысел.. Например у Дж. Лопес в поп. песенке аккомпанемент- что-то типа- бас слева- флейта справа. и ништяк. Придумал я себе понятие физической точки в пространстве. Например, комната. Разве мы слышим звук только из этой точки слева или справа? нет, мы ещё слышим отражения от стен и всё такое. панорамирование громкостью — приём номер 1, но не последний.Вот и домашнее задание- попробовать разместить инструменты в горизонтальной плоскости только при помощи задержки. Например 0мсек- левый канал, 15 мсек- правый. Получаем на выходе красивую противофазу. А чтоб не получить, подмешайте туда незадержанный сигнал, панорамированный по центру. по вкусу. Обратите внимание на то, как такой способ приближает , либо удаляет инструмент по глубине. Это приём номер 2. Ухо наше определяет, что там, где больше верхов, там ближе. Это типа знаем уже, Вот и завалите верхние частоты только в одном из каналов. Годятся всё те же вейвс, только кнопку LINK отжать, чтобы крутить частотку раздельно .. Ага..интересно стало?- мощнейшее средство для получения сворачивающих башку эффектов- это после того, как сдвинули частотку на одном из каналов, опять нажать кнопку LINK. Одна просьба. На коррелометр глядеть не забывайте ( это штуковина, которая фазу показывает). Тут радостей на неделю хватит. Кстати, интересно, как можно объективно замерять сдвиг фазы в эквалайзерах, а то я вот попробовал, что- то не догнал пока..Пока думаю, что фиг с ними, сдвигами, есть они, нету их.. лишь бы EQ работал на субъективное отдаление инструмента от слушателя. А вот ещё что- очень хорошо работает на приближение PSP Vintage Warmer …попробуйте его пресеты применить к хилому, далёкому вокалу. Удачи. Не прощаюсь. Будем обсуждать применение эффектов реверберации..

Ну, во первых, тут никто про аранжировку и не говорит, а рассматривается сведение…, то есть принесли, допустим, уже готовый потрековый материал, который нужно как-то спасать. Разумеется, что первично, что вторично, уже разобрались вроде бы, идея главное, потом исполнение, потом аранжировка, потом сведение, мастеринг, маркетинг, и всё такое. А дёргать ручки эквалайзера во время записи я бы не стал, не будучи уверен на 100 процентов в том, что получу на выходе. Тут не просто большой опыт нужен, а ОГРОМНЫЙ. И для меня пока тёмный лес, как именно нужно записывать живые инструменты и вокалы, какие микрофоны подбирать, в какие комбики тыкать, куда их ставить.. Я так понимаю- задача оператора- не испортить звук НИКАК. передать максимально точно с минимальным вмешательством

Про то, из чего сделаны ревербераторы, и как они работают, понаписаны горы материала.. нам бы узнать, с чем их едят… Приёмов и способов применения ну просто великое множество. а в сочетании с дополнительными обработками и эффектами вообще ужас..Лучше попробовать рассмотреть какие-то фишки, и рассказать, чего они позволяют достичь.. Фишка номер один.-Во всех вербах есть настройка затухания верхов и их количества вообще..Теоретически, оно должно помогать сделать хвост менее консервно- баночным, но в случаях дешёвых приборов и плагинов это не проходит. верха необходимо срезать ДО того, как они вообще попали в ревербератор. Например, создать подгруппу. и в инсерт вставить сначала фильтр, а после фильтра ревер. Подавать на подгруппу так же, как если бы она была сенд. Фишка вторая. Хоть и говорят, что реальные хвосты отражений в помещении почти одинаковы независимо от положения источника, хотелось бы думать, что это не так..И попробовать пользоваться истинным стерео. Не все плагины это умеют, не все пульты (виртуальные) имеют стерео- посыл..ищите, экспериментируйте. Проверить, истинное ли стерео выдаёт плагин, можно , использовав Фишку номер три.- Многие совсем забыли, что существует 2 режима посыла на эффекты- пре- и пост- фейдерный. То бишь, в префейдерном режиме громкость посыла не зависит от положения фейдера. Что нам это даёт? А то, что довольно удобно выстроить сначала окружение для большого количества треков, к примеру комплекта перкуссии, каждая бренчалка на своей дороге, а потом уже рулить баланс всех по отдельности. Баланс меняется, расположение в пространстве- нет. И ещё- иногда бывает просто невозможно в обычном режиме сделать хвост громче сухого сигнала, а это бывает нужно. Фишка 4 тут мелькала как-то.. про два разных ревера для левого и правого каналов.. Идея конечно интересна для спецэффектов, но в реальной жизни я бы попробовал поиграться с задержкой обработанного сигнала, разной для разных каналов, например, левый- 0 мсек, правый- сколько не жалко. серьёзное расширение стереопространства получается.. И ещё. в жизни не бывает сухих, ничем не обработанных звуков..все звуки помещаются где- то в пространстве, НО: бочку с басом можно смело оставлять сухими, добавлять микроскопический рум разве что для имитации живого выступления, или пользоваться только задержками- то есть имитировать ранние отражения крайне маленькой комнаты.. Есть такой эффект: если в миксе присутствует низколетящий пэд или гитары, широкоразведённые по стерео, и бас и бочка сами размазываются по панораме, становятся как бы обработанными…это касается и всего остального. Можно попробовать сунуть в холл какой- нибудь широкополосный инструмент, и понаблюдать, как ревера «добавилось» на все инструменты, включая хет и Bd.

(о! кажется догадался ) про микширование, а на мастеринге уже крутим уровень для диска? Правильно. Некоторые зарубежные товарищи используют такой вот подход: чтобы динамический диапазон микса укладывался в пределы -10дб и пики не громче , чем-3дб, объясняя это тем, что 24-битным мастеринговым приборам лучше всего просчитывать именно этот диапазон, не тише, не громче. Кстати, пробуя сводить с мастер фейдером на нуле, примерно так и получается само, разве что пики иногда долетают до -0,1дб. Есть ещё мнение относительно ручек на пульте. Производители пультов, мол, не случайно отмечают положение «0» на фейдерах каналов, так как именно это положение обеспечивает наилучшее соотношение сигналшум. Делаем вывод, что если есть возможность управлять громкостью инструментов на самих инструментах, то лучше так и сделать. А по поводу цифровых и виртуальных пультов пришла такая мысль:……Говорите, что прога плохо месит?,это значит плохо складывает разные громкости? Так давайте исключим микс из процесса сведения…( круто я пошутил?) ). Все фейдеры на пульте поставим в «0» и будем рулить громкостью только по миди, и пользоваться качественными эквалайзерами и компрессорами, не трогая ручек на пульте. Тоже вариант. Попробовал, как показалось, разборчивость микса с таким подходом получается получше.. и как мне кажется нивелирует разницу в алгоритмах микса лоджиков, кубейсов, самплитюд и прочих ризонов.

Допустим, партию гитары и по панораме размещаю ее до упора влево. Терь вопрос — как быть с ревером? Да как угодно, всё от задачи зависит. Где по глубине должна быть гитара- близко, далеко, сильно слева, за ушами вообще, или как…?Если близко, можно дать чуть чуть короткого стерео Room и сместить его по панораме, левый канал- налево, правый в центр, к примеру, если далеко, можно дать длинного хвоста и панорамировать полностью налево весь хвост. Общие принципы обработки ревером зависят от того, что мы хотим сделать- приблизить или удалить.

Так вот что по этому поводу Пол Уайт думает:

Чтобы удалить инструмент, его нужно- 1 тише 2 меньше высоких. 3 более тусклый ревер, чем для передних звуков. круче спад верхних частот. 4 отраженный звук громче сухого, и больше время хвоста. 5 НЕ использовать енхенсер на тех звуках, которые далеко. 6 ревер панорамирован узко, либо моно.

Ок. Спасиб. В принципе, я так и думал. Но терь уж хотелось бы добить эту тему до конца — как добиться размещения инструмента «за ушами»? =)

Фишка в том, что мозгам необходимо осознать пространство в сравнении, либо в движении, То есть, в миксе обязательно должно быть что-то на заднем плане далеко, чтобы заценить, насколько близко всё остальное. А чтобы завернуть за уши, одной противофазы мало, нужно чтобы этот звук перемещался по панораме, фазе, тембру, короче говоря, есть плагинчики типа амбисаунд, вот они шикарно сворачивают башку.. Я как- то перевернул задом наперёд соло гитары -дисторшн, и засунул это дело в амбисаунд- вокруг головы вертеться, при прослушивании в реальной акустике( не в наушниках) создавалось явное впечатление, что звук приходит не из динамиков, а отовсюду. из-за спины в том числе..)

С одной стороны, в компрессорах всё просто- порог срабатывания, время срабатывания(атака), степень сжатия, время работы (release), и всё, собственно. Ещё бывает автокомпенсация громкости. А с другой стороны, каждый компрессор решает по-своему, что именно сжимать.. уши нелинейны, одинаковый уровень разных частот воспринимается с разной громкостью, и я мало представляю, что творится внутри алгоритмов или приборов.. Мерять можно среднеквадратичный корень громкости (RMS) можно пики, а может, кто-то делает психоакустические компрессоры, которые например жмут только то, что ушами воспринимается особо громко..Так что нужно их выбирать, слушая..разные для разных целей.. даже с одинаковыми настройками они все работают по-разному.

А видели ли вы спектр живого баса?— его вторые ,третьи гармоники намного превышают по громкости основной тон и лежат выше 150 герц. всё, что ниже можно смело занимать BD- места выше крыши, за небольшим исключением- основной тон BD лучше всё таки придавить чуть чуть в басе. Можно использовать waves maxx bass, если мало нужных гармоник. Без нормальной акустики в принципе можно по наушникам проследить в сравнении с фирмОй. А насчёт инструментов- всё по разному, если нужен живой бас, тут трилоджи вне конкуренции, если супер-низкий и сочный, то novation vstation попробуйте напр bass2 из стандартных пресетов покрутить. Сейчас мне понравился набор басов из плагсаунд-синт в сочетании с хорошей компрессией. Тупые, шумные, но весёлые.. Cardiologue правильно подметил насчет диссонанса. Кстати о птичках. Многие аранжировщики отслеживают не только BD- какая нота там звучит , но и весь остальной набор- snare, всю перкуссию и даже хеты и шейкеры. чтоб не было диссонансов, всё по квинточкам, кварточкам, да в тональности песни.

Сведение фонограмм

Начинающим… и не только!

Предисловие.

Привет! Почитав статьи и поучаствовав в дискуссиях на форуме MIDI.Ru, я решил, что просто необходимо делиться своими знаниями и опытом со всем миром. Поэтому и решил написать цикл статей, посвященных изготовлению фонограмм в домашних условиях, которые Вы можете здесь прочитать. Сразу оговорюсь, речь не идет о профессиональной работе со звуком – я буду рассказывать о том, как сделать звук, не имея дорогого профессионального оборудования. Буду рад, если мои советы и случаи из практики помогут кому-то в создании новой МУЗЫКИ, в этом великом деле, которым все мы понемногу занимаемся!

Для начала я немного расскажу о себе. Реально меня зовут Дима. Сам из Омска, не то, чтобы музыкант, скорее Sound Engineer. Музыкального, равно как и технического образования не имею, тем не менее, давно занимаюсь музыкой вообще и звуком в частности. Год назад я работал в частной рекламной фирме, где мной была полностью оборудована небольшая студия звукозаписи. В основном изготавливал рекламные песни, информационные ролики; хотя приходилось делать студийные фонограммы местным музыкантам (techno, pop, pank- проекты) и саунд треки к видео роликам.

В настоящий же момент фонограммы пишу довольно редко – то работой загружен, то нет подходящих идей и настроения – а то, и настроение и идеи есть, а звуковой карты нет (бывает и так!:-) Однако интерес к компьютерным sound-технология не угасает – в меру возможного интересуюсь новинками, даю советы тем кому реально могу помочь.

Итак, начнем.

Вопрос: «Что делает хороший лектор перед тем, как выдать материал?» Правильно, знакомит с терминами, которые он будет использовать при изложении материала!

Именно поэтому я рекомендую Вам ознакомиться с содержанием следующего раздела.

Что нужно знать и понимать.

Ниже я приведу простые, доступные даже начинающим, описания нескольких основных понятий, которые рано или поздно усваивает любой, общающийся с компьютером человек. В дальнейшем все эти термины неоднократно встретятся Вам в тексте, так что лучше сразу определиться, что я буду иметь в виду.

MIDI и WAV – сложно объяснить, но я попробую. Это – основные форматы файлов, содержащих цифровую информацию, которая передается на воспроизводящее устройство (sound card, синтезатор, sampler, цифровой магнитофон и тп.), где полученная информация благополучно преобразуется в аналоговую и подается на усилитель, из динамиков которого мы уже слышим звук. Разница между MIDI и WAV такая же, как между растровой и векторной графикой.

WAV-файл – звуковая форма в «чистом виде». Грубо говоря, это – как магнитофон. Вы можете подать на вход какой угодно источник звука, записать его, а затем воспроизводить, копировать, «склеивать» с другими фрагментами, ускорять/замедлять, «вырезать» как целые куски, так и отдельные частоты и тд. и тп. (фантазия человека безгранична!). Однако все это требует гигантских объемов доступной памяти. (WAV Size=(Bits/8)*Channels*Time*Rate, то есть, 1 сек. звука с CD-качеством занимает 176400 bytes!) Конечно, существуют различные алгоритмы сжатия, но тем не менее это не избавляет всех нас от данной проблемы. Один из самых распространенных профессиональных WAV редакторов – Sound Forge фирмы Sonic Foundry.

MIDI-файл содержит только секвенцию (см. ниже) и не хранит в себе звуковых форм (хотя есть бойцы, которые таки засовывают звуковые волны непосредственно в MIDI-файл, но мы сочтем это извращением и рассматривать не будем). Звуковая карта (или внешний синтезатор), получая команду (ноту) по MIDI каналу, преобразует ее в звуковую волну (либо синтезируя, либо используя образец звука, хранящегося в ПЗУ (Wave Table)/ОЗУ). Поскольку MIDI-файл не содержит в себе звуковых волн, то размер его весьма не велик (обычно

100Kb) и обмениваться звуком в таком формате очень просто. Однако, именно потому, что в нем нет звуковых форм одна и та же фонограмма на разном оборудовании звучит по разному. Разнообразных MIDI-редакторов превеликое множество, поэтому советовать какой-либо я не стану, все зависит от степени профессионализма и силы Ваших привычек. Наиболее часто используемыми являются Cakewalk, Midi Studio и Cubase.

Cеквенция (sequence) – практически то же, что и партитура. Совокупность команд, основной смысл которых есть информация о том, какой звук (инструмент) в какой момент и какой длительности должен воспроизводиться. Ноты, вписанные в нотный стан – это секвенция / MIDI- файл – секвенция / MOD, S3M или IT-файлы – тоже содержат секвенцию / Pattern в Drum Machin’ах – опять же, секвенция.

Cэмпл (sample) – образец звука. Скажем, ваш приятель дернул струну на гитаре, а Вы записали это в WAV-файл. Это и будет ваш сэмпл гитары. В дальнейшем, Вы составите секвенцию, которая использует этот сэмпл и таким образом у вас получится мелодия, содержащая партию гитары. А ваш приятель еще долго будет вздыхать да охать и хлопать удивленными глазами! 😉

Банк (bank) – файл, в котором хранится определенный набор инструментов для MIDI-устройства. Инструмент – это сэмпл, которому задали целую кучу MIDI-параметров (тональность, patch, attack, looping, panning, modulation и пр.). Банк загружают в ОЗУ звуковой карты (сэмплера, синтезатора), после этого, если секвенцию адресовать на данный банк устройство будет синтезировать звучание, используя звуковые формы, прописанные в банке. Таким образом, кол-во MIDI инструментов можно разнообразить и увеличивать практически до бесконечности.

Далеко не все MIDI-совместимые устройства имеют подобную технологию. Пожалуй, самой распространенной и доступной на сегодняшний день технологией звуковых банков является SoundFont (фирмы Creative). Все модели звуковых карт серии AWE поддерживают SoundFont.

Треккер (tracker) – это такие хитрые программки, в которых можно делать композиции, используя любые доступные Вам сэмплы. При этом не нужно иметь хорошей и дорогой звуковой карты, составлять MIDI-файлы, банки – просто загружается один файл, в котором прописаны все сэмплы и секвенции, а воспроизводимый звук практически одинаков на любой SB- совместимой карте! Такой файл обычно называют Модулем (module). Размер файлов зависит фактически от качества, длины и количества используемых сэмплов. Обычно это

200–700 Kb. Типичные представители семейства треккеров: MOD, STM (Scream Tracker Module), S3M (Scream Tracker ver.3), IT (Impulse Tracker). Все эти форматы были очень распространены в то время, когда звуковые карты с Wave Table (таблица звуковых волн) были довольно дорогими.

Cреди недостатков подобных программ многие отмечают: низкое качество звучания (как они ошибались, Вы прочтете позже), полную несовместимость с MIDI (соответственно нельзя наиграть мелодию с «живой» клавиатуры), работа под управлением DOS.

Если Вы так и не поняли о чем идет речь, – попробуйте почитать другие FAQ! На крайний случай напишите мне письмо.

«С чего начинается Родина?».

Не буду оригинальным, но хороший звук действительно начинается с ИДЕИ! Идея, сама по себе, бывает различной и приходит неожиданно. Хорошая идея обязательно найдет свое воплощение, неважно в каком виде или формате. Есть люди, которые на обычных «кассетниках» такие миксы делают, что диву даешься! По большому счету, не важно, какая аппаратура сейчас тебе доступна — если очень надо, то сделать HiFi- фонограмму можно и на обычной SB-совместимой карте (и, даже НЕ ИМЕЯ звуковой карты вовсе!)

Для примера, опишу, как я сделал свой первый рекламный ролик. Идея песни возникла минут за 10 (обычно я беру гитару и наигрываю какие-нибудь простенькие аккорды, потом постепенно вырисовывается основная тема мелодии, после этого в течение нескольких дней добавляются текст и «фишки» в мелодию). Тогда о sound cards c WaveTable я знал только понаслышке, а из музыкальных редакторов мне был знаком Scream Tracker ver.3. И вот, посидев за компьютер своего знакомого, я минут за 30, нашел несколько хороших сэмплов и составил простенькую секвенцию. Подумав, что нести фонограмму на студию в таком виде будет немного нескромно, я попробовал перевести композицию в WAV-файл.

Именно тогда я сделал первое «грандиозное» открытие! Моя фонограмма получилась вполне приличного качества. Как я понял уже позже, real time воспроизведение в треккерах идет с 8-ми битным качеством (без какой-либо коррекции), соответственно появляются искажения, дискреция и шумы квантования (поэтому в треккерах слышен такой треск). Однако, когда композиция конвектируется в WAV-файл, то подставляются оригинальные звуковые формы (т.е. если используется сэмпл CD- качества, то на выходе он будет звучать с тем же оригинальным качеством!). При этом нет тех самых шумов, характерных для real time воспроизведения в трекерах. Нужно просто использовать только хорошие сэмплы!

После этого, я пошел на профессиональную студию, где буквально за 20 минут записал 4 дорожки с моим вокалом, 15 минут было потрачено на запись женского вокала, и еще 20-25 минут звукоинженер делал окончательное сведение! Таким образом, потратив всего 80 рублей (за аренду студии на один час) я получил вполне профессиональный ролик и $150 за работу от заказчика (примерно столько же в то время стоил Creative AWE64, который я и приобрел).

В дальнейшем я делал ролики от начала до конца уже сам. Но еще раз повторюсь – идея это основа хорошей композиции. Идеи приходят всегда по-разному. Самые хорошие и выразительные – обычно в теплой ванне. Правда бывает иначе.

Однажды мне пришлось общаться с довольно претензионным заказчиком, за неделю я сделал ему 5 абсолютно разных по стилю, смыслу и энергетики набросков (т.е.

1 ролик в день); и НИ ОДИН ему не понравился! Вот ведь как бывает, тут еще один заказ подсунули. Как ни странно решение пришло довольно просто. Воскресным вечером, сделав от «фоноря» трех аккордную аранжировку, подумал: «О! А звучит не плохо…» – и действительно из этого наброска получился дельный ролик, тот самый заказ, который мне тогда подсунули. Воодушевленный довольно быстрой победой над одним роликом я стал слушать MIDI с коллекцией классики. В одной из симфоний Грэга была довольно хорошая фортепьянная «подложка». Есть! Дальше было уже делом техники развить тему, добавить барабаны, бас, немного стрингов и вуаля – ролик готов. Таким образом, за один вечер были фактически сделаны сразу два заказа.

Как видите, – была бы идея, а воплотить ее можно всегда. Нужно просто о-о-очень захотеть.

Тем, кто хочет попробовать свои силы в изготовлении аудио рекламы, хочу дать несколько советов:

ролик должен быть полностью завершенным: оригинальное, неожиданное начало, содержательная середина, место для коммерческой информации (как правило – текстовой) и логическая coda.
не нужно делать «перепевку» популярного в данный момент шлягера! Обычно, люди не запоминают слов такой рекламы, а интерес к ней угасает так же быстро, как и к самому шлягеру. Лучше берите старые, веселые, всем знакомые песни вроде: «Мы вам честно сказать хотим…», «Нам песня строить и жить помогает» и т.п. Правда и в том и в другом случае возникает вопрос об авторских правах, но как правило, заказчики говорят: «Ты делай, а с Дунаевским я договорюсь!»
если же решено делать оригинальную песню, то будьте готовы к тому, что нужно написать простую и в то же время запоминающуюся мелодию (вроде «Nescafe Theme» или «Always Coka Cola»). Лучше, если мелодия будет одноактавной, тогда ее сможет напеть (а значит – запомнить) любой человек!

Вы еще не устали? Тогда ждите продолжение во второй части! Вы узнаете (если все еще не знаете), как идея «сводится» и приобретает окончательное звучание.

📎📎📎📎📎📎📎📎📎📎